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Del cuento popular al cine infantil: 10 clásicos de animación

26 Dic

En las fechas navideñas es frecuente encontrarnos con un giro en la programación televisiva que busca adaptarse a todos los públicos. Los niños pasan más tiempo en casa, lo que se traduce en maratones de películas de animación. Y lo cierto es que muchos, niños y no tan niños, disfrutamos de las películas que nos acompañaron en nuestra infancia; así que aquí va el ranking sobre las 10 mejores películas de animación que nos propone el American Film Institute (AFI).

1. El primer lugar no podría ser otra que la primogénita de Disney. “Blancanieves y los siete enanitos” no sólo obtuvo el mayor éxito de taquilla de 1938 con unos ingresos de 8 millones de dólares, sino que además se convirtió en la primera película sonora de dibujos animados en color y de habla inglesa. Considerada como una obra maestra reúne los rasgos característicos de las producciones de Walt Disney: Una joven hermosa, un príncipe encantador, una malvada bruja, la hospitalidad de los 7 enanitos y, como telón de fondo, la mágica vida animada en el bosque. Hace ya 75 años que Disney apostó por esta adaptación del cuento de los hermanos Grimm, aunque nada tuvo que ver con la obra original cuyo contenido violento y sexual no era tan apropiado para niños.

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2. Pinocho es un muñeco de madera que fue convertido en niño por un hada madrina que quiso regalar a su dueño, un carpintero llamado Geppetto, el hijo que nunca tuvo. Sin embargo, todo tiene un precio y Pinocho deberá ganarse a pulso el derecho de ser un humano con la ayuda de Pepito Grillo, la voz de su conciencia. La película se estrenó el 7 de febrero de 1940, después de “Blancanieves y los siete enanitos” que vio la luz el 21 de diciembre de 1937. Obtuvo dos premios Oscar, en las categorías a la mejor banda sonora y la mejor canción original. La versión Disney es una adaptación de “Las aventuras de Pinocho”, la obra italiana escrita por Carlo Collodi en 1882.

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3. “Bambi” robó el corazón a todos los niños que vieron cómo unos cazadores le arrebataban a su madre. Como empezó a ser habitual en la recién nacida industria Disney, acumuló varios premios por su calidad musical. La quinta película de Disney está basada en la novela “Bambi, una vida en el bosque”, escrita por Félix Salten en 1923. Este cervatillo no estará solo e irá conociendo a sus compañeros de aventuras: el conejo Tambor, la mofeta Flor y el amor en Faline.

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4. “El Rey León” cuenta la historia del pequeño Simba, el heredero al trono animal que huye tras creer ser el responsable de la muerte de su padre. Así, comienza una nueva vida acompañado de un jabalí y un suricato hasta que es encontrado por una amiga de su infancia, que le hará enfrentarse a sus miedos. Las diferencias técnicas con respecto a “Blancanieves y los siete enanitos”,  “Pinocho” o “Bambi” son más que notable puesto que”El Rey León” es mucho más reciente. Su estreno tuvo lugar en 1994. En este caso, Disney encontró la inspiración en Hamlet de Shakespeare, una trágica historia sobre traición y venganza.

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5. “Fantasía” es un filme experimental de la casa Disney, que no tiene diálogos, salvo excepciones. La protagonista de esta cinta es, sin lugar a dudas, la música clásica. Contiene ocho piezas musicales, siete de ellas interpretadas por la orquesta de Philadelphia. Fantasía no logró la recaudación esperada, hecho que en parte se debió a que su estreno se produjo a principios de la Segunda Guerra Mundial, en 1940. Tuvo una segunda oportunidad y el sobrino de Disney, Roy E. Disney, co-produjo una secuela llamada “Fantasía 2000” que llegó a las salas de cine en 1999.

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6. “Toy Story” es una película de animación por ordenador que se estrenó en 1995. El primer largometraje de los estudios Pixar recaudó más de 191 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y más de 361 millones de dólares en el extranjero. Un guión conmovedor, una inolvidable banda sonora y unos efectos visuales nunca vistos antes le hicieron merecedores de numerosos premios y nominaciones. Por todo ello ha sido catalogada como una de las 50 películas que el British Film Institute recomienda ver a los 14 años. Lo cierto es que cualquier edad es buena para descubrir la historia de Woody, un juguete animado que es sustituido por Buzz Lightyear, un astronauta que aterriza en el cuarto de Andy. En ese preciso momento nacerá una relación de rivalidad por ser el favorito de Andy, que poco se irá transformando en amistad. Recuerda: “Hay un amigo en ti”.

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7. “La Bella y la Bestia” es un cuento de origen europeo, cuya autoría se desconoce. Lo cierto es que su versión escrita más conocida es la obra publicada en 1756 por la francesa Jeanne-Marie Leprince de Beaumont (1711-1780), traducida al inglés un año después. Probablemente la interpretación de Beaumont es la que más fama ha cosechado y sobre la que se han escrito posteriores adaptaciones. “La Bella y la Bestia” se ha adaptado a la literatura, al cine, al teatro, a la televisión (véase la serie “Once Upon a time”) e incluso al formato musical. Una apuesta segura que durante siglos ha enseñado a cientos de niños que la belleza siempre está en el interior.

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8. Similar es la moraleja de “Shrek”, un ogro que deberá salvar a la princesa Fiona, prisionera en un castillo custodiado por una dragona, si no quiere perder su ciénaga. Junto a un burro, Shrek emprenderá una gran aventura que le llevará a conocer al amor de su vida.  Lejos de los finales de cuentos de hadas, Fiona se convierte en ogro y serán felices para siempre. En cierta manera, “Shrek” rompe con el clásico guión de los cuentos de hadas. Esta película de animación digital se basa en el libro infantil “Shrek”, de William Steig (1990). Se estrenó en cines en 2001 y ganó el Oscar en la categoría a la Mejor Película de Animación y un BAFTA al mejor guión adaptado. La cinta estuvo nominada a otros premios de prestigio, entre ellos los Globos de Oro. Por lo que no es de extrañar que Shrek cuente con una segunda (2004) y una  tercera parte (2007).

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9. “Cenicienta” es el cuento de hadas por excelencia. Una humilde joven huérfana se encuentra atrapada en una cruel vida de servidumbre en la casa de su madrastra y sus hermanastras. Sin embargo, la suerte le sonríe y aparece su hada madrina, dispuesta a ayudarla a acudir al baile real donde podrá conocer al Príncipe. El inconveniente es que el hechizo durará hasta las 12 horas de la noche. El Príncipe se enamorará perdidamente de Cenicienta, pero sólo podrá dar con ella probando el zapato de cristal, que perdió antes de que las agujas del reloj marcaran la medianoche, a cada mujer del pueblo. Todo apunta a que la historia de Cenicienta pudo tener su origen en la Antigüedad Clásica y más concretamente en la cultura egipcia. La versión más extendida ha sido la del francés Charles Perrault, pero los hermanos Grimm hicieron su propia adaptación. Disney trasladó la versión de Perrault a la gran pantalla en 1950. En cualquier caso, Cenicienta podría considerarse como un personaje arquetipo cuya representación se ha dado en casi todas culturas desde las civilizaciones más primitivas.

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10. En décimo y último lugar nos encontramos con la película de animación más reciente de esta lista. “Buscando a Nemo” (2003) nos cuenta las aventuras de un pez payaso que desobedece a su protector padre para recorrer el océano junto a su compañera de viajes, Dory, un pez que no anda muy bien de memoria. “Buscando a Nemo” es una película de animación digital que lleva el sello de los Estudios Pixar y que ganó un Oscar a la mejor película de animación, y otras muchas nominaciones. Se prevé una secuela para 2016.

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¿Qué os parece esta selección de películas de animación? ¿Añadirías algún título más? Quizás… ¿“El libro de la selva”, “Pesadilla antes de Navidad” o “Wall-e”? Os confieso que una de mis cintas favoritas durante mi infancia fue “Merlín el encantador”, ¿y las vuestras?.

“Hay mucho que aprender de las bestias”. Drácula.

9 Nov

Tal día como hoy -8 de noviembre- de hace 165 años, nacía una de las figuras más importantes de la literatura mundial. Bram Stoker no inventó a los vampiros, pero sí hizo escuela desterrando la imagen de “chupasangres” por una más benévola, la de Drácula. Mucho antes de su existencia ya circulaban historias sobre seres sobrenaturales, que se alimentaban de sangre humana.

Sin embargo, este escritor de origen irlandés supo captar la esencia del personaje Vlad Draculea, un príncipe despiadado del sur de Rumanía que pasaría a la historia por su sed de venganza y crueldad durante la resistencia contra la expansión del Imperio otomano. Basado en un ser desalmado que nació en 1431 en Transilvania y murió en 1476 en batalla, se le conoce bajo el apodo del “El empalador” haciendo alusión a su método de tortura y ejecución por excelencia: atravesar a la víctima con una estaca. ¿Os suena de algo? Efectivamente, Stoker halló en esta sombría personalidad la inspiración, que plasmó con tanto acierto en su obra más célebre: “Drácula” (1897).

Como viene siendo habitual en Google, esta mañana nos hemos levantando con un homenaje dedicado a uno de los padres de la literatura de terror. Se cuenta que Stoker desarrolló su imaginación durante la infancia. Siendo un niño sufrió una parálisis, que no le permitió estar en pie hasta los siete años. A lo largo de su enfermedad, su madre le entretenía contándole historias de miedo que de alguna manera debieron estimular su fantasía. Antes de escribir su obra maestra y ya recuperado, desafió su limitación compitiendo en atletismo.

Más allá de la literatura, el Conde Drácula ha sido adaptado a diversos formatos, entre ellos cine, teatro, series, cómics y videojuegos. Desde hace algún tiempo, el tema vampiros arrasa en prácticamente cualquier ámbito, incluso en el de las muñecas.

De hecho, en las listas de curiosidades que proliferan por la red se lee que Drácula es el personaje que más veces ha sido interpretado y que incluso supera las 160 películas. La primera de esta larga lista fue la cinta muda “Drakula halála” (en castellano, “La muerte de Drácula”), que se estrenó en Viena en 1921 y de la que hoy sólo se conservan tan solo dos fotogramas (abajo podéis ver uno de ellos). Se sabe que este filme llegó a algunos cines europeos y que cosechó cierto éxito.

Lo interesante es que se han rodado tantas versiones de “Drácula” en diferentes períodos de tiempo que además de reflejar la evolución de la historia del cine, recoge los puntos de vista predominantes del momento. Así, encontramos una visión más expresionista de “Nosferatu” (1922). En cambio, mucho más clásica es la versión de 1931, dirigida por Tod Browning.

Encontramos elementos propios del manierismo colorista en “Drácula” de Terence Fisher (1959), como la defensa de valores tradicionales, un fuerte componente sexual y un cambio en la mentalidad en el foco del problema, ya que el enemigo pasa de ser un individuo físico y tangible a un intruso que se cuela dentro de nosotros sin posibilidad de evitarlo. En 1979 “Drácula” de John Badham recibe la influencia del romanticismo y en 1992 se estrena “Bram Stoker’s Dracula”, de Francis Ford Coppola, desde una perspectiva postmodernista.

Bram Stoker sometió al sanguinario príncipe de Transilvania a una metamorfosis que le convirtió en un vampiro misterioso y seductor. Hasta entonces, un vampiro se asociaba a una criatura maldita, desprovista de sentimientos y considerada un depredador. Fue con el paso del tiempo cuando se ha ido configurando como un símbolo que se ha hecho un hueco en el imaginario colectivo, hasta consagrarse como un mito. Hace 100 años de la muerte de Stoker -20 abril de 1912-, pero su legado se recordará hoy y siempre.

 “Odiado y temido. Estoy muerto para todo el mundo. Escúchame. Yo soy el monstruo al que los hombres vivos matarían. Yo soy Drácula”.

60 aniversario del Festival de Cine de San Sebastián

3 Oct

El Festival de Cine de San Sebastián ha celebrado su edición número 60 en un momento en que la industria cinematográfica se ve especialmente afectada por la coyuntura económica mundial.  De hecho, el proyecto de Presupuestos Generales del Estado para 2013 evidencia que el propio Festival sufrirá en primera persona una reducción de 120.000 euros con respecto al 2012. En total, el gobierno destinará una ayuda de 880.000 euros al Festival de San Sebastián y de 55,04 millones de euros a la Cinematografía. Esto último supone un descenso del 22,6% en comparación con el año anterior, pero va más allá porque el sector de la cultura experimenta un recorte del 19,6%, que sumado al 15% del 2012 dificulta notablemente la supervivencia de la industria cultural.

San Sebastián se ha convertido en el encuentro cultural que más dinero recibe del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, tal y como se recoge en la partida presupuestaria de 2013. Por si no fuese suficiente, la subida del IVA cultural, ha pasado a gravar del 8 al 21% el consumo de cultura en España. Ante este panorama (tan desolador) se ha desarrollado la 60ª edición del Festival de Cine de San Sebastián, una cita que reúne a los máximos representantes del cine nacional e internacional.

Algunos aprovecharon la oportunidad para hacer un llamamiento sobre la importancia del apoyo institucional al cine. Entre ellos, el ganador de la Concha de Oro por “Dans La Maison”, el francés François Ozon ha calificado de “delirante” los recortes gubernamentales porque “que cargue contra la cultura es como si cargara contra sí mismo”. Añade: “Lo digo como realizador francés, viniendo del país que más apoya al cine en Europa y que consigue una cuota de pantalla del 40%. Esta cifra está muy por encima de la media española, que oscila entre el 12 y el 20%”.

Fernando Trueba: Un país que deja morir el cine es un país sin memoria y sin alma”

Fernando Trueba, que recibió el premio al mejor director por “La artista y la modelo”, ha destacado el papel del cine como “clave para el conocimiento”. Nos recuerda que “Un país que deja morir el cine es un país sin memoria y sin alma”.

Algo más positivo se ha mostrado el ganador del Premio Especial del Jurado y director de “Blancanieves”, Pablo Berger, quién ha dicho al respecto que “el cine para cualquier director es siempre una carrera de obstáculos. La palabra crisis es parte de nuestro vocabulario diario. Está claro que la situación no favorece, pero tampoco vamos a ser negativos, buscaremos la manera de seguir produciendo, sea con una cámara de vídeo doméstica o con las vías normales de producción”.

En cuanto al Festival de Cine de San Sebastián, sorprende cuanto menos la cantidad de premios que se han otorgado a lo largo del mismo, sin contar con las menciones especiales. Un punto flaco de este 2012 es que de las 14 nominadas a la Concha de Oro, 8 se estrenaron en el Festival de Toronto, que se celebró del 6 al 16 de septiembre, hecho que le ha restado novedad. Incluso la première de la candidata española a los Oscar “Blancanieves” tuvo lugar en Canadá. En su 60ª edición, el Festival de Cine más importante de España, los premios han quedado repartidos de la siguiente manera:

Palmarés Sección oficial

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: “Dans la maison”, de François Ozon (Francia)

 PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “Blancanieves”, Pablo Berger (España-Francia)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR: Fernando Trueba, por su trabajo en “El artista y la modelo” (España)

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ ex-aequo: Macarena García, por su actuación en “Blancanieves”.

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ ex-aequo: Katie Coseni por “Foxfire” (Francia-Canadá).

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: José Sacristán, por su interpretación en “El muerto y ser feliz”  (España-Argentina-Francia)

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA: Touraj Aslani, por “Fasle Kargadan / Rhino Season” (Turquía).

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN: François Ozon por “Dans la maison”.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO: “The attack”, de Ziad Doueiri (Líbano-Qatar-Bélgica)

Palmarés sección no oficial

PREMIO KUTXA Nuevos directores: “Carne de perro”, Fernando Guzzoni (Chile-Francia-Alemania). Mención especial: “Parviz”, Majid Barzegar (Irán) y “El limpiador”, Adrián Saba (Perú).

PREMIO HORIZONTES: “El último Elvis”, Armando Bo (Argentina-Estados Unidos). Mención especial: “Era uma vez eu, Verônica / Once upon a time was I, Veronica”, Marcelo Gomes (Brasil) y “Después de Lucía”, Michel Franco (México-Francia).

PREMIO SERBITZU-SARIA: “Pura vida”, Pablo Iraburu, Migueltxo Molina (España).

PREMIO DEL PÚBLICO: “The sessions”, Ben Lewin (Estados Unidos). Premio Película Europea: “The angel’s share”, de Ken Loach (Reino Unido-Francia-Bélgica-Italia).

PREMIO EUSKATEL DE LA JUVENTUD: “7 CAJAS”, Juan Carlos Maneglia, Tana Schémbori (Paraguay).

 PREMIO TV Otra Mirada: “Shesh peamim / Six acts”, Jonathan Gurfinkel (Israel). Mención especial: “The attack”, Ziad Doueiri (Líbano-Francia-Qatar-Bélgica).

PREMIOS XI ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESTUDIANTES DE CINE. Premio Panavision y Premio de la Agencia FREAK: “The mass of mean”, de Gabriel Gauchet (National Film and TV School, Reino Unido).

PREMIOS CINE EN CONSTRUCCIÓN 22. Premio cine en construcción de la industria: “Gloria”, Sebastián Lelio (Chile). Premio norteado: “Tanta agua”, de Ana Guevara y Leticia Jorge (Uruguay-México-Holanda).

PREMIOS CINE EN MOVIMIENTO 8: “Le veau d’or”, Hassan Legzouli (Francia-Marruecos) y “Moug”, Ahmed Nour (Egipto-Marruecos).

 

La historia del Festival de Cine de San Sebastián:

Los orígenes del Festival de San Sebastián se remontan al año 1963, cuando un grupo de comerciantes donostiarras se resignaba a despedirse del verano. Como consecuencia, nace lo que en euskera se conoce como Donostiako Zinemaldia , un acontecimiento que a lo largo de seis décadas ha presenciado importantes momentos en la historia del séptimo arte: el paso del cine en blanco y negro a color, y también otros momentos representativos fuera del cine, como la transición de la dictadura franquista a la democracia en España.

La Concha de oro surge en 1957, cuando el certamen logra la categoría A. Poco a poco, intenta posicionarse como un encuentro de referencia en el mundo del cine, un escaparate donde encontrar las obras más inquietas e innovadoras del momento. En 1986 se crea el Premio Donostia, como reconocimiento a quienes han dejado una huella imborrable en el cine.

Por San Sebastián han pasado Alfred Hitchcock, Kirk Douglas, Bernardo Bertolucci, Anhony Quinn, Audrey Hepburn, Franco Zeffirelli, Francis Ford Coppola, Elizabeth Taylor, Orson Welles, Luis Buñuel, Steven Spielberg, Imperio Argentina, Richard Burton, Gina Lollobrigida, Harrison Ford, Roman Polanski ,Pedro Almodóvar, Victoria Abril, Antonio Banderas, entre otros muchos.

Recomendación del día: A veces es interesante oír otras voces porque no todos tenemos la misma percepción sobre el Festival de San Sebastián. Hay quiénes no pasan por alto la escasa presencia de cine iberoamericano y proponen cambios estructurales.  Os animo a ahondar en el tema, pinchando aquí.

Para terminar, os recuerdo que estos días se ultiman los preparativos de la 45ª edición del Festival de Sitges, que acogerá la proyección de 256 películas y que ha vendido un 16% más de entradas que en 2011. Desde el 4 al 14 de octubre se celebrará el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya en una edición dedicada especialmente al fin del mundo.

Curiosidades del cine

30 Sep

Desde los comienzos de la historia del cine, han proliferado diversas anécdotas que como mínimo nos sorprenden y nos sacan alguna sonrisilla.  Si te preguntas por el rodaje más largo o más corto del mundo o la pasión oculta de Fidel Castro y Jose Stalin sigue leyendo…

1. La francesa Paula Maxa ostenta el récord de ser la actriz más asesinada del cine. En total, podría haber muerto 358 veces a lo largo de su carrera profesional e incluso pudo haber películas en donde interpretaba varios personajes que, por supuesto, fueron asesinados. Apodada como “la Sarah Bernhardt de la muerte” se especializó en la representación de papeles de víctima durante los años del cine mudo. Algunas de sus muertes ponen la carne de gallina.

2. Aunque muy lejos de Maxa, le sigue Robert de Niro quién se consagra como el actor que más veces ha muerto en el cine según recoge eCartelera. En total, ha fallecido un total de 14 veces. Sin intención de destripar finales, recordamos su muerte en películas como “El cabo del miedo”, “Mamá sangrienta”, “Muerte de un jugador”, “Malas calles”, “Brazil”, “La misión”, “Vida de este chico”, “Frankenstein de Mary Shelley”, “Heat”, “Fanático”, “Jackie Brown”, “Grandes esperanzas”, “15 Minutes” y “El escondite” . Por cierto, en segundo lugar se encuentra Bruce Willis, quién ha muerto 11 veces en la ficción, mientras que  Johnny Depp empata con Brad Pitt en 10.

3. En los años 70, David Warner gozaba de gran popularidad. Pero si por algo pasará a la historia Warner es porque se ha convertido en el actor que ha interpretado más personajes que han muerto por ahogo. En total han sido tres: “Titanic” (1997) “Los héroes del tiempo” (1981), “S.O.S. Titanic” (1984). 

4. Cambiando de tercio. Trece años antes de convertirse en el mandatario cubano que fue, Fidel Castro intentó triunfar como artista en Hollywood. Paradójico, pero cierto. Castro inició una carrera cinematográfica como galán latino. El líder revolucionario participó en musicales como “Escuela de sirenas”, “Bathing beauty” y “Holiday in Mexico”.

 5. Por su parte, Stalin promovió el cine musical e incluso llegó a componer una canción para “La porqueriza y el pastor”, una obra que versa sobre la cenicienta soviética, una mujer que canta alegremente mientras daba de comer a un ejército de cerdos lozanos. La letra decía: “Una canción alegra el corazón, que alguna voz te haya arrebatado. Todos los pueblos grandes y pequeños adoran esta melodía, mientras las grandes ciudades cantan la canción”.

Aunque Lenin, su antecesor, estaba de acuerdo en que el cine era “la más importante de todas las artes”, probablemente no se refería al género musical. Desde luego sorprende porque sinceramente, ¿quién se esperaría que la debilidad de Stalin o de Castro fuese el cine musical?  

6. El rodaje más largo de la historia ha sido una biografía de Mata Hari. La razón es que su director, David Carradine, se propuso filmar la vida de la espía en orden cronológico. Su rodaje comenzó en 1974, cuando la protagonista tenía tres años. 

7. “El hombre perseguido por un ovni” (1976) tiene el récord de ser la única película rodada en un solo día. La explicación es bien sencilla porque está hecha a partir de los descartes de otras cintas. Ya os podréis imaginar la cantidad de hombres y de ovnis que podemos ver a lo largo de la misma. Aunque la historia peca de ser demasiado disparatada, entre otras razones porque los extraterrestres tratan de abducir un Simca 1000, no nos riamos muy alto porque esta película lleva sello español.

* Tengo previsto continuar publicando más “curiosidades del cine”. Cuando lo haga, os dejaré el enlace aquí ; ) 

         

Descubren la primera película en color de la historia

16 Sep

Tres niños jugando con girasoles, un desfile militar en Hyde Park, un columpio y un loro son las imágenes que recoge la cinta grabada en color más antigua del mundo. El National Media Museum de Bardford (Reino Unido) guardaba entre sus archivos un tesoro: un filme que ni tan siquiera había sido proyectado con anterioridad, pero que logra consagrarse como una pieza única en la historia del cine.

110 años después:

Los niños que aparecen en la cinta son los hijos del inventor y cinematográfico, Edward Raymond Turner, que en 1899 patentó el proceso de coloración sobre fotogramas de película. En 1902, logró captar imágenes en color natural para después introducir filtros verdes, rojos y azules; cuya función consistía en dar color a los fotogramas. Sin embargo, Turner murió pasados unos meses de un ataque al corazón y no pudo perfeccionar la técnica.

El National Media Museum ha revelado que las cintas se encontraron en la colección del empresario Charles Urban, un visionario del cine que apoyó a Turner en sus inventos.

Hasta el momento, este reconocimiento se le había atribuido a la película “Rive del Nilo” (1911), una película en color gracias al sistema Kinemacolor desarrollado por el ingeniero inglés George Albert Smith. En 1937 Urban donó su colección al National Media Museum, pero pasó sin pena ni gloria hasta hace tan solo tres años, momento en que trasladaron la obra a Bradford.

Y es que según parece no lo sabemos todo sobre el séptimo arte, que todavía se reserva la capacidad de sorprenderos.